Intervista di Rosa Manauzzi

Credo che sia la protezione ciò che più ardentemente cerchiamo, un nido, un abbraccio, quel rifugio che ci permette di essere nudi e fragili, di non nasconderci, di essere visti nelle ombre e nella luce, di essere amati da uno sguardo che tutto contenga.

La metamorfosi sembra essere un’impronta assai prevalente nelle tue opere. Dalle pareti che il tempo trasforma ai corpi in fieri che immortali nella loro transitorietà. Di recente hai partecipato alla mostra “Idrophilia” che forse ha ulteriormente stimolato questa tua ricerca. L’acqua come elemento vitale e in cui la vita continuamente nasce e si trasforma. Puoi parlarci di questa esperienza artistica?

Amo raccontare il cambiamento e la trasformazione, nei miei primi lavori ho attraversato il sentiero magico della favola e messo in scena sovente incantesimi e sortilegi. Mi piace vedere “cosa succede” quando qualcosa scombina la consuetudine ed incendia l’abitudine, quando la tessitura del reale si sfarina e dentro le crepe della storia si insinuano ombre e possibilità.
“Idrophilia” è un progetto curato da Ilaria Margutti che mette in relazione venti artisti con l’elemento vitale dell’acqua in un luogo speciale: la “Caserma Archeologica”, uno spazio che dall’abbandono e dal silenzio è diventato un contenitore di possibilità, un cuore pulsante, un crocevia di intenti e talenti. Oltre ad un mio progetto esposto – “Ti rubo gli occhi”- c’è la mostra finale del mio corso di fotografia narrativa con tutti i lavori dei miei ragazzi (studenti dei vari licei di Sansepolcro) e posso dire con orgoglio che la vera emozione sono stati loro. Vederli mettersi in gioco, rischiare e raccontarsi, pensare e sentire la fotografia ed impararne la cura- che sempre di cura si tratta quando c’è l’arte di mezzo- è stato per me immergermi in qualcosa che mi ha segnata e commossa. Ecco, voglio parlare di questa acqua di commozione, di questo mare dolcissimo che ha ridefinito gli orizzonti. L’acqua si insinua nelle fessure, è potente, arriva e porta nascite e primavere. L’arte è fatta di condivisione è relazione, è seme, polline che germoglia negli occhi e nei respiri.

Qual è stata la tua formazione artistica e quali sono i tuoi artisti/le tue artiste di riferimento?

Non ho una formazione accademica in senso stretto, ho fatto il liceo classico e studiato filosofia. La letteratura è il mio più grande nutrimento, le mie emozioni sono sempre legate alla pagina. I libri sono una sponda, un puntello, una mappa. Sono il filo a piombo sul mondo. La poesia in particolar modo è salvezza, è parola intera e integra, antidoto. Quando sono in difficoltà è lì che mi rifugio, è il luogo del medicamento e delle risposte. Dalle parole nascono e si sollevano le immagini, sono l’innesco, la scintilla della creatività. Sono molti gli artisti che mi hanno segnata e a cui faccio riferimento, da Mario Giacomelli a Duane Michals, da Diane Arbus a Sophie Calle. Ma anche Louise Bourgeois, Annette Messager, Regina Josè Galindo, Maria Lai. La lista sarebbe davvero lunga, si arricchisce e amplia nel tempo… per fortuna c’è ancora tanta meraviglia da attraversare, terre da conoscere e respiri da consegnare allo stupore.

Partecipi all’Expo di Milano per il progetto “Cibi condimentum esse famem – La fame è il condimento del cibo”. Come hai elaborato l’idea e da quali premesse (letture, altre esperienze artistiche) personali hai scelto di partire?

Sono stata davvero entusiasta quando mi è arrivato l’invito a partecipare al progetto “Cibi condimentum esse famen”: mi piace molto l’idea della fame intesa come spinta e desiderio, come una passione che si fa bisogno e muove verso una ricerca. La difficoltà era cercare di affrontare l’argomento da un punto di vista inedito, trasversale. Come spesso accade il colpo di fulmine è arrivato dalla letteratura. Nelle mie incursioni tra libri saggi e miti, mi sono imbattuta in un racconto di Kafka, “Un digiunatore”, che mi ha rapito totalmente: è stato come essere travolti da una rivelazione. Da quelle pagine incredibili, attraverso un processo creativo che mi ha fatto scegliere i simboli e i modi della narrazione ma anche i luoghi i volti e gli oggetti di scena, sono nate le sei immagini che compongono il progetto. La serie fotografica “Un digiunatore” riflette sulla vocazione e la disciplina necessarie nell’arte, è la storia di un’astinenza portata alle estreme conseguenze. La sottrazione dal cibo, la privazione – metafora dell’arte e della scrittura – sono il terreno su cui il digiunatore si misura, il luogo in cui mostra al pubblico la sua dedizione assoluta ed inevitabile al proprio talento. Il digiunatore, dopo un iniziale successo di pubblico, finirà ignorato e dimenticato in un circo ma non smetterà di digiunare e si spingerà all’estremo, fino alla morte. Ho sentito molto personale questo seguire il proprio talento e la propria disciplina fino all’estremo, questo non tradire mai il proprio fuoco sia nei momenti di gloria e successo sia nei momenti in cui il pubblico ti abbandona.
Come a dire che non c’è un’alternativa, nessun piano b. L’arte, nel bene e nel male, è tutto – è una scelta che ti sceglie e ti porta via.

In questa casa non c'è nessuno

A partire dalla tua presenza all’Expo, quale responsabilità senti di avere come artista a livello sociale?

L’artista ha il compito di prendersi “cura” di ciò che spesso, distratti o superficiali, abbandoniamo e lasciamo indietro. L’arte è un seminare incessante, un incontro con l’altro e il diverso. Racconta e cerca di entrare nelle fessure dell’anima, è una possibilità di avere antidoti, una terra nuova dopo un naufragio. Antonia Pozzi, poetessa che amo molto, ha scritto dei versi che dicono esattamente quello che io provo, che mi somigliano…questa idea dell’arte e della poesia come di qualcosa che seppur fragile ci tiene in equilibrio, si fa ponte sopra gli abissi ed i dolori: “Vorrei che la mia anima ti fosse / leggera, / che la mia poesia ti fosse un ponte, / sottile e saldo, / bianco / sulle oscure voragini / della terra”. Spesso davanti ad un’opera siamo in difficoltà… qualcosa ci tocca, ci fa male, è come sale su una ferita. A volte ci commuove, racconta qualcosa che ci appartiene e che noi per paura o confusi dalle mille voci che ogni giorno in ogni momento ci chiamano urlando- avevamo messo da parte… allora in noi riaffiorano idee e sentimenti che ci rendono diversi, spostano la nostra visione (a volte troppo “corta”). Come artista faccio il possibile per raccontarmi con onestà e coerenza, cerco di guadare le acque scure, cerco di condividere e scambiare… sono una “cercatrice d’oro”, il setaccio è l’arte. Siamo estremamente fragili e vulnerabili, l’arte ricama splendore sulle ferite, è il bicchiere d’acqua per la notte, quello accanto al comodino che colmerà la sete qualsiasi sia il buio da cui proveniamo.

Sei stata scelta per la collettiva “Leggero come alluminio”, dopo una selezione internazionale che ha deciso i tredici artisti dell’Unione Europea per la partecipazione al premio COMEL Vanna Migliorin 2015 – Arte Contemporanea, a cui la mostra era collegata. E hai ricevuto una menzione speciale da parte della giuria dei critici d’arte, che ne hanno riconosciuto la valenza partecipativa diretta al pubblico e la leggerezza poetica al richiamo della memoria. I tuoi misteriosi scrigni aprono mondi inconsueti che coinvolgono lo spettatore. Il titolo “I need protection” ha conferito un appello ai piccoli mondi che hai costruito. All’interno un’immagine, un dettaglio, un sentimento da condividere o da richiudere, all’esterno una richiesta su cui riflettere: un bisogno di protezione. A chi è riferito? Al lavoro dell’artista e ai suoi mondi da tutelare? Al visitatore che si immedesima e sceglie un quadro in cui insinuare il proprio sentire?

Confrontarmi con un metallo come l’alluminio per produrre l’opera per il Premio COMEL è stata davvero un’esperienza emozionante perché mi ha permesso di mettermi alla prova e conoscere cose del tutto nuove. L’idea degli scrigni mi è venuta riflettendo sul bisogno di protezione che ci attraversa da sempre, ognuno di noi ha piccoli rituali, oggetti portafortuna, cose da fare o non fare per scongiurare pericoli o far avverare qualche richiesta. Credo che sia la protezione ciò che più ardentemente cerchiamo, un nido, un abbraccio -quel rifugio che ci permette di essere nudi e fragili, di non nasconderci, di essere visti nelle ombre e nella luce, di essere amati da uno sguardo che tutto contenga. La riflessione nasceva poi dall’accorgermi che ci sono grandi paure e desideri impronunciabili (parole che accerchiamo di silenzio perché il solo pronunciarle ci spaventa) che però sono come un marchio, un segno, una corda alle caviglie che ci blocca e tiene fermi. È difficile lasciarli andare perché diventano una parte di noi, sono come l’ombra attaccata ai piedi. Allora ho avuto l’idea di prendermene cura io, di metterli via in una specie di archivio sentimentale. Tredici persone mi hanno affidato le loro parole, piccole frasi e poesie –sigillo infuocato delle loro paure e dei loro desideri più grandi- così che io potessi costruire delle piccole teche e custodirle come fossero reliquie. Questo ha reso loro “più leggeri”, liberi perché consapevoli che qualcuno avrebbe avuto cura delle loro parole. Parole alle quali poi ho associato delle immagini poetiche, delle piccole metafore visive. Sono nati questi tredici libri speciali, tredici segreti, misteri raccontati in bianco e nero. “I need protection” è un lavoro che nasce per raccogliere, archiviare in modo artistico e avere cura, invita lo spettatore ad avvicinarsi, leggere, aprire gli scrigni e lasciare che l’emozione racconti e risuoni… il vetro che vela ma lascia intravedere diventa uno specchio che porta alle proprie emozioni e paure. È la trasparenza che mi interessa, il riflesso che diventa acqua in cui immergersi, riconoscersi.

Anche io cresco dal fondo di un lago colmo di pianto