di Ilaria Ferri

Nato in Grecia, Niko Kapa si laurea in architettura presso il Royal College of Art di Londra, dove vive e lavora tutt’ora. Ha esposto in personali e collettive un po’ in tutto il mondo: dall’Europa al Medio Oriente, dalla Cina all’India e agli Stati Uniti.
Secondo Niko Kapa l’Arte è un modo per rappresentare l’intangibile attraverso il tangibile, ovvero un mezzo per esprimere emozioni, pensieri e sensazioni attraverso le opere d’arte. Il suo percorso artistico lo ha condotto, attraverso un approccio interdisciplinare, ad unire la sua anima di architetto a quella d’artista cimentandosi in una pratica che tenta di dar forma allo spazio piuttosto che alla materia. L’atto di plasmare e rimodellare i vari materiali, permette all’artista di esplorare il mondo interiore e quello esterno in un continuum che fa diventare l’Arte un potente mezzo espressivo e di interazione sociale.

Sei un architetto di fama internazionale e anche come artista raccogli consensi e premi in tutto il mondo. Qual è la differenza tra l’architetto Niko Kapa e l’artista Niko Kapa? Il tuo approccio all’arte cambia da quello all’architettura?

Behind Me, 2020, alluminio, vernice a emulsione

Guardando le tue opere, verrebbe da pensare che l’architettura sia il tuo sogno, le linee sinuose e slanciate, l’estetica, la possibilità di osare e di immaginare il futuro. Mentre l’arte sembra incarnare per te riflessione, ragionamento, crepa, increspatura, il tuo punto di vista artistico sembra più mirato al presente e all’interiorità. Come definiresti il ​​tuo rapporto con questi due aspetti della tua creatività?

Il legame è formato dall’interesse e dalla curiosità per il mondo costruito. La percezione che un oggetto progettato smetta di essere inanimato e quindi crea una relazione dinamica con l’essere umano. L’architetto può tradurre il design in oggetto spaziale e attraverso di esso influenzare la vita, l’umore e il comportamento delle persone. Questa capacità è la forza trainante della creazione, differenziazione e innovazione. Il rapporto con l’organico ei concetti di trasformazione, mutazione e cambiamento possono essere visti come principio di connessione tra questi due campi. Nella mia pratica artistica questo avviene attraverso diversi metodi di distorsione, trattando l’emozione stessa come un potere di distorsione. Consentendo un certo grado di improvvisazione durante il corso dell’esecuzione, gli incidenti casuali attivano il lavoro come modi diversi per esprimere la propria presenza nel tentativo di rappresentare visivamente tali distorsioni.

Corpus, 2020, scultura ottenuta facendo scivolare argilla sul corpo dell’artista

Non c’è dubbio che il tuo lavoro di architetto abbia influenzato quello di artista, soprattutto in riferimento all’uso di vari tipi di materiali (dai metalli alla pietra, dal marmo all’argilla, passando per compensato, cemento, cemento, piombo, eccetera.). . È chiaro che negli ultimi anni vi siete cimentati maggiormente con materiali da manipolare, da mescolare come carta, malta, argilla. Hai sentito il bisogno di modellare e modellare il materiale con le tue mani?

Sviluppando approcci ai diversi modi in cui abitiamo il mondo, sto assimilando la progettazione architettonica e le tecniche di costruzione nel campo delle Belle Arti, cercando di rafforzare i legami tra scultura e architettura.
Per me la fisicità riflette una nozione di controllo ed è un aspetto critico della mia pratica. La “lotta” con la materia si solidifica in un’entità tangibile, che a sua volta diventa un contenitore di azioni ripetitive ed esplorative. Mantenendo una costante preoccupazione di trovare uno scopo nella procedura di interazione con la materia, le mie opere consolidano questa relazione personale. Delineato dalla materialità e dai gesti, l’esplorazione dell’attività umana è vista come un’estensione del sé, con l’obiettivo di fornire una visione più intima dell’esercizio creativo dell’artista. Sempre preoccupato per il potenziale del medium, l’artefatto è usato come continuazione del corpo, affrontando il legame tra me stesso e la fisicità dell’oggetto.
Mi interessa il modo in cui opere che possiedono qualità artigianali rafforzano il rapporto con il fattore umano.

Erythromorph, 2021, argilla grezza formata sulla testa dell’artista, sangue dell’artista, resina

La tua professione influenza chiaramente la tua idea di spazio, infatti affermi “Ritengo che l’ambiente non sia qualcosa di statico ma si riconfigura costantemente attraverso la sua intercorrelazione con le persone. Mi interessa il potenziale espressivo e associativo dell’arte, percependo le opere d’arte come esplorazioni spaziali fondamentali, capaci di descrivere le esperienze e di manifestare la loro interrelazione con la vita”. Quindi, secondo te, le opere d’arte sono un’esteriorizzazione materiale dell’interiorità?

Il materiale converte l’intangibile in tangibile. Studiare le impressioni generate dalle relazioni spaziali mi permette di descrivere la vivacità dell’essere espressa dagli atti delle persone. Le opere d’arte basate sulla performance si occupano del “fare” e di come gli atti del creatore possono essere definiti come l’opera d’arte vera e propria, incapsulando la sua esistenza come processo grezzo, estensioni dei movimenti del corpo. Conservando segni di lavoro, emozione e frustrazione, cerco attraverso pezzi intimi di intrecciare lo psicologico con il fisico, poiché la superficie e la massa sono tracciate da un’evidente risonanza umana. Investendo nel regno dell’artigianato, una mano in azione mette in evidenza il senso del contatto con il soggetto poiché le tracce personali dei gesti vengono catturate nelle opere fornendo prove dell’identità e dell’espressione individuale. Quando la materia prima si interseca con le forze di collisione, l’incidente informa il lavoro accumulando tempo e azioni su superfici altamente individuali.

Dici che “l’essenza del lavoro sta nella sperimentazione, nell’esplorazione delle emozioni e nella proiezione dell’identità nello spazio” Il viso, la testa e il cervello sono temi ricorrenti nella tua produzione più recente. Osservando le tue opere si ha la sensazione di voler capire e studiare il pensiero osservandolo sui lineamenti del viso, monitorando e riportando l’effetto esterno della produzione di idee, e le emozioni che i pensieri suscitano. E spesso i tuoi lavori sono modellati su te stesso. Cosa significano per te il viso e la maschera?

Il viso è trattato come portatore di identità e dispositivo di proiezione emotiva. Mi interessa la sensazione di oscurità evocando un senso di perplessità attraverso le allegorie, poiché la forma simbolica può sfidare i limiti della percezione. La maschera è vista come uno strumento di distorsione, in piedi come un ritratto del suo creatore, allusivo di occultamento ma anche rivelazione personale. Instillare la propria presenza fisica nell’opera d’arte è un modo per includere la coscienza del creatore nell’opera finale.

Shield, 2020, piombo modellato sulla testa dell’artista

Nell’opera finalista della VII edizione del Premio COMEL proponi un’originale declinazione del tema Aluminium Bonds, ovvero l’esplorazione del legame tra un’opera d’arte e un creatore, tema poi a te caro. Imprimere la tua impronta fisica sull’opera, la lega indissolubilmente a te, anche quando sarà in un contesto completamente diverso, in un altro tempo. Con l’opera Bond, non solo sottolinei la tua presenza attraverso l’assenza, ma ti riferisci a un periodo molto difficile a livello globale. Come è nata l’idea di questo lavoro? e poi iscriversi al COMEL Award?

Percepisco il luogo come un’estensione di sé. Lo spazio in cui viviamo e cresciamo invia innumerevoli stimoli e crea una forma di comunicazione con la relazione che è reciproca. Gli individui influenzano il loro ambiente per trasformarlo in un recettore efficace delle proprie attività, nella misura in cui l’ambiente stesso dirige o limita risposte specifiche. Poiché sono esposto in ambienti diversi, il graduale assorbimento delle abitudini rimodella la mia identità alimentando il lavoro con tale cambiamento. Colpito dalla condizione pandemica, il lavoro prodotto durante l’isolamento riflette sull’impatto emotivo sperimentato attraverso il processo creativo dell’artista.
Il premio ha coinciso con la creazione dell’opera e ho ritenuto che sia l’idea che la materialità alla base fossero allineate al tema. L’alluminio è formato attorno al corpo per descrivere una relazione attiva con il materiale e sigillare il legame tra corpo e lavoro. Sperimentando l’arte come un atto fisico consentendo alla forma umana di abitare oggetti inanimati, la scultura diventa presenza disincarnata.