di Ilaria Ferri

L'uso dell'alluminio come superficie per i miei dipinti è un momento molto importante del mio lavoro, soprattutto per le qualità riflettenti del materiale e la sua risonanza simbolica. C'è qualcosa di molto potente nel modo in cui la luce interagisce con l'alluminio - può trasformare, amplificare e distorcere ciò che riflette, e come può evidenziare la tensione tra l'artificiale e il naturale, il visibile e il nascosto.

Ha partecipato al Premio COMEL con l'opera UnderWater, che ha colpito la giuria e le è valsa una menzione speciale. Quest'opera ha una brillantezza intrinseca, grazie all'uso dell'alluminio che brilla come la superficie dell'acqua. Come ha ottenuto questo effetto?

La brillantezza dell'alluminio, in particolare il suo colore riflesso, mi ha ispirato e mi ha spinto a sperimentare questo particolare materiale e a dipingerne la superficie. Nel mio lavoro, confronto il colore del riflesso con il riflesso della luce solare sulle onde dell'acqua. Inoltre, la levigatezza della superficie dell'alluminio mi fa pensare alla levigatezza dell'acqua fredda. Per introdurre più vibrazioni nel mio lavoro e più effetto acqua, oltre a usare i colori a olio e acrilici per dipingere i blu dell'acqua e successivamente i ceppi neri, uso la resina trasparente; inoltre, alla fine, plasmo la lastra di alluminio.

UnderWater fa parte di una serie di dipinti dedicati ai paesaggi subacquei. Da un lato, lei afferma che questi sono parte integrante della sua esperienza di vita, vivendo vicino al lago di Ohrid. Dall'altro lato, simboleggiano un non-luogo in cui confrontarsi con la propria interiorità, uno spazio personale in cui fermarsi e riflettere, lontano da una realtà spesso opprimente. Come è arrivato a concentrarsi su questo tema? Ci sono state letture, esperienze o altri artisti che l'hanno ispirata in questo senso?

Sì, l'opera subacquea fa parte della mia ultima serie di dipinti dedicati a paesaggi sottomarini immaginari. E questa è l'unica opera realizzata su superficie di alluminio di questa serie. Vivendo in riva al lago di Ohrid, mi sono spesso trovato a contemplare il confine tra la realtà e l'occulto. Nel mio lavoro, da un lato, utilizzo l'informazione come elemento ispiratore, cioè la galleria fotografica quotidiana su Internet di reportage fotografici ed eventi tempestosi, accesi e spesso paranoici dell'attuale periodo in cui viviamo, e dall'altro cerco di trovare un luogo di fuga, un luogo di meditazione, utilizzando l'immersione in acque profonde e cercando le forme astratte della nostra realtà. Il paesaggio subacqueo, per me che vivo sul lago di Ohrid, è un luogo mistico che trovo e paragono a me stesso, ai miei spazi di emozioni più profonde, ai miei paesaggi interiori, creando un ponte tra il caos della vita contemporanea e la tranquillità della scoperta di sè. Immergersi nell'acqua profonda significa per me immergersi nei propri spazi nascosti più profondi. Perché l'acqua? L'idea dell'acqua si ispira a “La poetica dello spazio” di Gaston Bachelard, che spiega l'idea dell'acqua come “non luogo”, quindi come luogo di rifugio e contemplazione. Il tema mi viene naturale come osservatore, come critico della realtà del nostro tempo.

Lost in pink reflection, 2024 - oli, acrilici e resina su tela, 60x50 cm

Una sua recente mostra in Macedonia era intitolata No Escape from Reality. Si tratta di una visione cupa del mondo che ci circonda o piuttosto di una critica costruttiva? Quali temi le piace esplorare attraverso il suo lavoro? Secondo lei, l'arte può aiutarci a capire il mondo che ci circonda e a cambiare i nostri comportamenti?

L'anno scorso ho tenuto tre mostre personali e “No Escape from reality” è stata l'ultima mostra per il 2024. Si trattava di una mostra, un concept che ho realizzato in un luogo in rovina e abbandonato che ho combinato con le mie opere ed è stata una vera sfida da realizzare. La mostra No Escape from Reality non intendeva presentare una visione cupa del mondo, ma piuttosto una critica costruttiva della nostra vita moderna. Riflette il modo in cui viviamo in un mondo che spesso può sembrare frammentato o disconnesso, soprattutto a causa dell'influenza pervasiva della tecnologia e dell'era digitale.

La scelta di un luogo in rovina e abbandonato per la mostra simboleggia gli spazi psicologici ed emotivi in cui a volte ci troviamo e come questi spazi influenzino le nostre azioni, i nostri comportamenti e le nostre percezioni. Questi spazi influenzano il nostro modo di pensare, sentire e agire in modi che non sempre riconosciamo. Attraverso il mio lavoro, mi addentro nelle sfide culturali e psicologiche della vita contemporanea. Esploro la costante tensione tra il caos e la ricerca della pace, una ricerca di armonia personale in mezzo al frastuono dell'esistenza quotidiana. È una riflessione sul modo in cui affrontiamo le pressioni schiaccianti della vita moderna e sui modi in cui cerchiamo di fuggire o di trovare conforto nei suoi meandri. Credo che l'arte abbia una capacità unica di aiutarci a capire il mondo che ci circonda. Credo che l'arte ci possa incoraggiare a fermarci, a rivalutare e potenzialmente a modificare il modo in cui rispondiamo alla natura caotica e spesso opprimente dell'esistenza contemporanea.

Attraverso le sue opere, lei intende affrontare l'influenza delle forze esterne sulla psiche, in particolare in che modo la modernità, con la sua valanga di informazioni e contenuti, tende ad appiattire l'individualità e i tratti unici. Al contrario, il suo lavoro scompone, disassembla e organizza vari elementi in una sorta di complessa “trama artistica”. Questa scomposizione nella sua arte è un avvertimento o un modo per suggerire la potenziale rinascita dell'individuo?

Credo che oggi, più che mai nella nostra storia, viviamo in un mondo individualista. In questo senso, la mia arte non offre necessariamente un “avvertimento” chiaro, ma piuttosto fornisce uno spazio per confrontarsi con la complessità della nostra esistenza odierna. La decostruzione nelle mie opere è una forma di scavo, un modo per rimuovere gli strati e sfidare l'uniformità imposta da ciò che è ora. Direi che le mie ultime serie di opere sono un testimone invisibile del momento, che si immerge e scava in profondità nel nostro io, nella nostra natura umana, un invito a riflettere tra sé e le influenze esterne.

Strange sunset, 2024 - oli, acrilici e resina su tela, 80x75 cm

Le sue opere sono composte da vari materiali come il nylon, l'alluminio e la plastica. La scelta dei materiali deriva da una necessità concettuale o dalla voglia di sperimentare? Che ruolo hanno questi materiali nel trasmettere il messaggio delle sue creazioni? In che modo le tecniche utilizzate si allineano al significato delle sue opere?

La sperimentazione di vari materiali ha avuto un ruolo importante soprattutto negli ultimi anni del mio lavoro. L'uso e la sperimentazione dei materiali plastici, in particolare, ha un significato concettuale ed estetico, che mi dà molta libertà di esprimere i miei messaggi, a volte più espressivi e più diretti. Questi materiali hanno per me un ruolo simbolico comparativo, simboleggiano la tensione tra la naturalezza e il sintetico, usandoli come riferimento per i materiali naturali e per l'acqua in particolare. I materiali stessi fanno parte del dialogo e invitano lo spettatore a considerare il ruolo dell'artificialità, delle apparenze di superficie e del loro contrasto con gli aspetti più elementari e organici dell'esistenza. L'uso dell'alluminio come superficie per i miei dipinti è un momento molto importante del mio lavoro, soprattutto per le qualità riflettenti del materiale e la sua risonanza simbolica. C'è qualcosa di molto potente nel modo in cui la luce interagisce con l'alluminio - può trasformare, amplificare e distorcere ciò che riflette, e come può evidenziare la tensione tra l'artificiale e il naturale, il visibile e il nascosto.

Lei è nato a Ohrid, una città ricca di storia e di bellezze naturali. In che modo la sua città natale ha influenzato la sua visione artistica? Guardando indietro alla sua carriera, quali sono stati i momenti più significativi che l'hanno definita come artista?

Il mio primo ricordo da bambino è stato quello di immaginarmi a disegnare santi dagli affreschi della chiesa di Santa Sofia a Ohrid. Le eccezionali icone e gli affreschi bizantini di Ohrid testimoniano la storia e la ricchezza artistica della città, ma è l'interazione tra la luce e l'acqua - un elemento della natura - che sembra essere diventata la mia più grande attrazione. Da bambino sono stato ispirato da tre libri d'arte che avevo in casa: Picasso, Mirò e I surrealisti. Mi stupivano soprattutto i surrealisti che cercavo di riprodurre dai libri. Un momento molto importante della mia carriera è stata l'ammissione all'Accademia d'Arte di Bucarest, dove ho frequentato il master nel dipartimento di grafica. La mia collaborazione con i professori dell'Accademia era eccellente in quel periodo e sono stato coinvolto in molti progetti, tra cui la partecipazione a due pubblicazioni accademiche sulle arti grafiche. Dopo un breve periodo di un paio d'anni, al termine degli studi di master, sono tornato nella mia città natale, Ohrid, lavorando da solo a vari progetti di conservazione. A partire dal 2014 ho affittato un piccolo studio e ho iniziato a dipingere. Nel 2019 ho aperto il mio studio a Ohrid e ho iniziato la mia collaborazione con un paio di gallerie e musei macedoni e stranieri.

View from upside down, 2024 - oli, acrilici e resina su tela, 60x50 cm

Dopo gli studi, lei ha viaggiato molto e in seguito ha esposto in vari Paesi. Come vive il dialogo tra la sua identità culturale macedone e le diverse influenze globali? Dato che recentemente ha esposto in diverse mostre in Italia, qual è il suo rapporto con il nostro Paese? Che contributo le ha dato a livello personale e artistico?

Sebbene la mia identità culturale macedone sia una parte significativa di ciò che sono, il mio obiettivo è creare opere d'arte che affrontino questioni globali. Credo che l'arte debba parlare di temi universali che risuonano con le persone di tutto il mondo, trascendendo i confini geografici e culturali. Questo approccio mi permette di entrare in contatto con un pubblico più ampio e di impegnarmi in un dialogo significativo che non è limitato dal luogo.

Sono innamorato dell'Italia, ma chiunque ama questo bellissimo Paese, soprattutto per le relazioni culturali molto simili tra i nostri popoli, non mi sono mai sentito un estraneo in Italia. Recentemente sono stato invitato a esporre a Venezia nella Blue Gallery del maestro Silvio Pasqualini. La mostra, intitolata Lost in Reflection, è stata curata da Camilo Racana, noto critico parigino. Lost in Reflection è stata la mia prima mostra personale in Italia e ha avuto molto successo. Inoltre, ho partecipato a un paio di mostre collettive in altre città italiane, che sono state esperienze preziose.