Intervista di Rosa Manauzzi

Le mie opere si sviluppano inseguendo linee, mescole, simboli che di volta in volta si svelano, alla ricerca di un optimum estetico che si cela fino all’ultimo.

Iniziamo dai tuoi studi, una laurea in Ingegneria aerospaziale. Di certo una facoltà che somma difficoltà estreme e coinvolge aspetti diversi, dalle singole discipline scientifiche all’idea di poter aprire orizzonti vasti e sconosciuti. Che utilità può avere per un artista possedere uno strumento simile, che per sua costituzione proietta o verso realtà altre e lontane o in spazi più piccoli ma altamente tecnologici?

La mia formazione universitaria rappresenta un legame indissolubile con quella realtà quotidiana, pragmatica, materiale, fatta di necessità fisiche, di problem solving, di vincoli spaziali e temporali con cui devo fare i conti ogni giorno, a prescindere dalla sua utilità o meno all’artista. È ormai parte integrante della mia forma mentis. Analizzando a posteriori i miei lavori ritrovo sparse tra le pennellate tracce di segni geometrici lineari, squadrati, rigorosi, che a volte contengono e imbrigliano il magma informe del mio estro più spirituale ed espressionista, e a volte ne sono contenuti.

Sei un artista autodidatta. Cosa ti ha spinto la prima volta ad avventurarti nell’arte? E quanto è stata importante l’infanzia siciliana nelle atmosfere e nei colori?

Nel mio caso non c’è una vera e propria prima volta. Da che ne ho memoria ho sempre rappresentato graficamente le immagini più intense che affollavano la mia mente, mosso dalla necessità o dal desiderio di esternare ciò che avevo incamerato, ciò che mi appassionava maggiormente. Certamente l’atmosfera siciliana con le sue immagini barocche di processioni religiose, di feste di paese, di edifici sontuosi, di ruderi senza tempo, di campagne arse dal sole e di mare, hanno alimentato quasi totalmente le opere figurative della mia infanzia. Quei ricordi, quelle immagini tutt’ora ricorrono spesso nei gialli ocra dei campi di grano o nei rossi vermiglio del Cristo alla colonna, nelle mie opere informali.

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Dalla frequentazione di cinema, teatri, gallerie d’arte, assimili linguaggi vari che in qualche modo ti ritrovi a riformulare secondo un’estetica del tutto soggettiva che definisci “effetto elastico”. Cosa intendi esattamente?

Gli studi di ingegneria aerospaziale, impegnativi e pressanti mi indussero a sospendere temporaneamente l’attività artistica, comprimendo gradualmente le mie istanze più viscerali di espressione dell’io. Quello che intendo appunto per effetto elastico è il processo inverso a quell’appiattimento creativo che mi spinse a un certo punto ad aprirmi a tutti gli stimoli artistici che la città poteva offrirmi incamerando ed esternando poi attraverso la mia pittura un linguaggio estetico per me nuovo e appagante.

L’incontro con Duilio Gambino e l’Over Studio Gallery ti consente di confrontarti con altri artisti e organizzare la prima mostra, “Senso vietato”, che comprende anche lavori di Mario Schifano. Cosa ricordi di questa esperienza?

È il primo vero confronto con il mondo dell’arte o con ciò che orbita attorno ad essa. Nonostante fossi all’epoca estremamente entusiasta di farne parte attiva, oggi ritengo che quell’esperienza non fu significativa per il mio percorso di ricerca artistica anche se, da un punto di vista biografico, segna sicuramente un importante riconoscimento e il conseguente sviluppo di una consapevolezza di artista non solo personale.

Il trasferimento a Cassino testimonia un mutamento artistico: dal figurativo espressionista pieno di cromatismo (pittura ad olio), del soggiorno torinese, la pittura si fa materica e sempre più tridimensionale. I paesaggi lasciano il posto a quadri informali ed espressioni astratte che invocano una libera interpretazione. Nascono le serie “Umanoidi” e “Metropolis”. Come cambiano i materiali e i soggetti? Chi sono gli umanoidi?

Negli ultimi anni della mia permanenza a Torino, le frequentazioni di gallerie d’arte moderna con opere di artisti del XX secolo come Basquiat, Haring, Pollock, Burri, Hartung, mi rivelano nuovi linguaggi artistici verso i quali avverto subito una forte affinità. Si aprono nuovi orizzonti comunicativi, nuove porte attraverso le quali liberare l’estro creativo. Le pennellate diventano astratte, tridimensionali, sovrapposte, incerte. Il figurativo con i suoi simboli e le sue forme definite, non è più adatto ad esternare le mie nuove istanze espressive che hanno come tema di fondo le città contemporanee, gli uomini, le loro idiosincrasie, la folla, la solitudine, la notte. Mi approccio ai pannelli di legno senza un progetto, senza una meta, come un esploratore, un esploratore di cosmi interiori. Le mie opere si sviluppano inseguendo linee, mescole, simboli che di volta in volta si svelano, alla ricerca di un optimum estetico che si cela fino all’ultimo. Rappresentano città osservate dall’alto durante ipotetici voli pindarici notturni, sono le opere che colloco nella serie “Metropolis”. Altre volte raccontano degli esseri che le popolano queste metropoli, creature bidimensionali di fattezze umane o animali la cui esistenza si svolge all’interno dei riquadri di una matrice invisibile, queste ultime appartengono alla serie “Humanoids”.

Sonno